“全球最大集装箱”内，用“涂抹”观照真实—

西贝精英训练营及西贝当代艺术馆外观

文_韩晓雪

2025年6月15日，呼和浩特和林新区一座4000㎡闲置冷库完成蜕变——西贝当代艺术馆以工业遗存重生之姿正式开馆。艺术馆保留了工厂骨架，将废弃龙门吊、集装箱转化为入口装置，以艺术家孟柏伸提出的“全球最大集装箱”概念重塑外观：红色集装箱表皮之上，“XIBEI MUSEUM”白色标识灼灼生辉，成为青城新文化地标。

“用‘涂抹’观照真实——孟柏伸个展”开幕式现场

开馆首展“用‘涂抹’观照真实——孟柏伸个展”开启，25.6米挑高的巨型空间首次完整呈现《悬置》等代表作。展览以“铅笔涂抹”为核心语言，通过铅色覆盖的拆迁树木、刻度消隐的老式卷尺、集装箱构建的像素山水等装置，展开视觉反思与批判。这种将工业材料转化为观念载体的创作路径，既呼应了西贝艺术馆的工业遗存属性，更以艺术语言完成了对现代性困境的视觉解码。

西贝当代艺术馆所在的200亩园区，已形成集展览空间、培训基地、艺术学校、图书馆等业态于一体的文化生态系统，数件色彩醒目、造型吸睛的公共艺术作品穿插其中，为园区规整的建筑群增加了许多灵动之感。西贝艺术馆馆长张丽平表示，未来将着力提升导览服务，引导观众从艺术角度理解作品，让艺术“高于生活，同时也能融入日常”。园区计划以开放的姿态欢迎公众，艺术馆、图书馆等场所都将对外开放，实现艺术体验与公共空间的有机融合。

“从五毛硬币到拆迁巨树，一位艺术家的涂抹苦行”

艺术中国采访了艺术家孟柏伸，孟柏伸就展馆设计理念与艺术表达、视觉语言“涂抹”的生成逻辑与本质、物象选择的准则与象征指代、作品《悬置》的镜面装置及树木生命转化、以及《玄景》创作中即兴改造与传统美学转译等问题进行了深入阐述。

西贝园区场景

艺术中国：本次艺术空间以集装箱为外形，工厂式内部结构，营造出独特的工业美学风格。作为空间设计的参与者，您在改造过程中最深刻的体验是什么？这种非传统美术馆形态如何呼应您的艺术表达？

孟柏伸：园区的集装箱设计及外立面由我主导完成。原址是闲置工厂，能在短时间内蜕变，得益于西贝团队的充分信任与高效执行力，大胆放手让我进行空间升级优化。我们是在原有园区1.0版本基础上迭代至2.0，未来还将持续演进。

展厅内的作品呈现的是我内心真实的状态，与外部的绚烂色彩形成鲜明对比。之所以将园区设计得色彩丰富，源于去年十月初次踏勘时的感受，场地空旷冷清，周边环境缺乏视觉温度。因此，我大胆引入了强烈色彩。另一方面，我的个人创作多以单色，尤其是黑色为主，这也在空间外观与内部作品之间制造了强烈的张力。

西贝当代艺术馆外观

展厅内部场景

集装箱艺术馆外观最终选定了一个“艳而不俗”的红色。为了达到理想的视觉效果，我在色彩调校上花了很大力气——调漆与调油画颜料的思维与方式截然不同。最终呈现的效果，包括醒目的白色“XIBEI MUSEUM”字母（由专业壁画师经多层罩染绘制），在晴好天气下呈现出独特的发光效果。展厅内部则是沉静的氛围：内部以黑色基调为主，点睛式融入的“邮政绿”，是与外部红、白形成有意识的视觉互补，也暗合集装箱与物流的概念关联。其价值在于视觉和谐与精神气质的契合，而非刻板遵循色卡数值。

艺术中国：涂抹作为您代表性的视觉语言，最初源于何时？是怎样的契机让您发现“遮蔽”反而能揭示更深层的表达？

孟柏伸：源头可追溯至2007年初夏。天气炎热，我买冰棍找回五毛钱硬币，随后便开始无意识地涂抹那枚硬币。那时，我正处于本科毕业后探索个人艺术语言的关键时期——反复尝试油画、多种题材风格，甚至包括毕业创作，都未能找到真正有力的表达方式，内心充满“有话说不出来”的郁结。

艺术家孟柏伸在展览现场

正是在反复铅笔涂抹的过程中，我逐渐感受到这种媒介的潜力，将这种材料语言与我的信仰题材相结合，也便开始了苦行创作并一直延续至今。提及“苦行僧”标签，早前2009年在香港展览时的媒体报道。当时我并未深究此称谓，至今也认为这类外在定义并不重要——无论是“苦行”“修行”还是“行为艺术”。曾有行为艺术研究中心邀约收录，我婉拒了。我的作品价值不应源于其过程的费力或标签的加持，正如我涂抹遮蔽物体表面一样，我同样拒绝被外在标签所定义。我不评断标签的准确性，只关注作品本身的真实与结果——这才是我艺术的核心。

艺术中国：在收集老式卷尺、拆迁区树木、河里的石头等旧物时，是否存在绝不涂抹的底线？

孟柏伸：世间万物太多了，我能涂抹的寥寥无几，选择核心在于“指代性”的精准。我所涂抹的物象，都有其相应的指代性，绝非随意之举，背后是严谨的思考和内在逻辑。其关键在于拣选：我寻找那些能成为时代符号的物象。例如，涂抹时钟，旨在消解现代人普遍承受的“时间压力”。无论是涂抹家具、瓷器或化学器皿都具有明确的指向性。涂抹对象的物理形态并非关键。例如那棵巨大的拆迁树木，其核心价值在于作为“时代见证者”的身份——它默默伫立六十余年，见证几代人的生活，最终被遗弃。它浓缩了复杂的社会变迁与集体记忆。若展览空间狭小，我可能不会选择它，但其承载的观念重量不变。

《悬置》2017树、铅笔、镜子尺寸可变

艺术中国：《悬置》在西贝当代艺术馆首次完整展出，特别之处在于树下放置了镜面装置。这一设计是出于何种考量？

孟柏伸：每次展览呈现我都希望有所不同。这次虽非百分百理想，但整体空间感和景深已经足够支撑作品。关于布展过程，我想强调，动机是艺术，结果是艺术，但中间的实现过程（涂抹过程、搬运、搭建、技术调试）是工作不是艺术。昨天有人问为何看不到涂抹的过程，我没回应，因为那属于工作范畴——我呈现的是艺术作品本身，而非行为表演。

《悬置》局部

引入镜面，源于多重考量：首先，与作品“重逢”引发了我新的思考：这棵树在库房中沉寂多年，此次以完整形态、在精心布光下重回展厅，再次与我“相遇”，这种“观照”催生了新的表达欲。其次，时间赋予我新的认知：个人的经历变化（年龄、身份如成为父亲）也丰富了我对这件作品的理解。呼应展览主题“涂抹·观照·真实”中的“观照”，我希望借此镜面装置，为观众提供一个额外的审美维度与反思空间，增加解读的开放性与可能性，而非提供单一答案。它是我个人美学偏好的体现——我从中看到了东方团扇般的构图美感，作为热爱传统艺术的人，我能在镜中捕捉到类似山水画中树木的意境，又或是可以引发关于“断舍离”的联想，但皆因人而异，我始终认为开放度很重要，开放度本身即是价值。镜子的布置是我运用现代材料去探索如何在当代语境下，以新的物质载体去转化和传递东方美学，是我持续探索的方向。

《悬置》展览现场

这棵树是我走访了数百个自然村，看了几千棵树木后最终确定的。选择它，与其说是主观意愿，不如说是一种缘分。在拆迁现场，树木生命的终结已成定局，我能决定的是其被采伐的方式与最终的归宿。一般来说，它将被粉碎之后压成刨花板，而通过《悬置》，我赋予了它另一种生命形式的转换与延续。虽非自然界最大，但已非常可观，其饱满形态亦具独特力量感。

《悬置》2017树、铅笔、镜子尺寸可变

《玄景》2025包装箱、涂料尺寸可变

艺术中国：《玄景》利用废弃包装箱构建“像素山水”是布展时的即兴灵感还是预先构思？

孟柏伸：《玄景》的雏形——那组悬于空中的木箱——本是空间原有的装置，由前任设计者构思，最初并非黑色。我在进行空间改造时，秉持着尊重既有创作的原则保留了下来。这些箱子最初的存在或许功能性强于观念性。改造的契机源于现场：当工人搬运这些箱子时，我尝试性地将其涂黑。黑色赋予了它们新的视觉重量——如凝聚的云团，又如沉静的墨潭。随后，工人们临时堆放箱子的位置触动了我，其错落感极具潜力。我保留了这一位置，并将箱子统一施以黑色。最终呈现的形态，其轮廓与空间关系，让我联想到书法线条的韵律与呼吸感——起承转合，虚实相生。这便是我尝试的方向：探索中国山水画传统意象的装置化转换。至于作品是否完美达成了这种转换，或能否被传统山水画家完全认同，则是另一个层面的讨论，这关乎文化基因的当代表达。

即便作品如《悬置》般具有震撼性的体量，其内核仍蕴含着一种温厚的“谦和”。我追求的始终是一种纯粹、沉静的力量感——这既是我个人的美学方向，也内在于作品试图传达的精神性之中。（图片由西贝当代艺术馆提供并授权使用）

展览现场

《律》2025成品书籍尺寸可变

《尺度》2025老式皮尺、丙烯颜料尺寸可变

《河》2018石头、铅笔尺寸可变